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Georges Banu – Shakespeare : métaphores et pratique du théâtre

Collection : Entre-Vues
Thème : Théâtre, Culture
Parution : 01/2016
Pagination : 64 pages

PRIX : 7€

ISBN : 978-2-35768-016-6
OpenEdition Books : https://books.openedition.org/eua/970?lang=fr

« De la scène à la vie et de la vie à la scène, voilà un aller-retour sur lequel Shakespeare réfléchit et revient constamment. » Cet ouvrage est le résultat d’une Leçon donnée par Georges Banu à l’université d’Avignon le 21 juillet 2009. Auteur de Shakespeare, Le monde est une scène1, il explore les conventions et les références métathéâtrales de l’œuvre shakespearienne. Ainsi, par la pensée de Shakespeare, il étudie la complexité de l’art théâtral à travers les textes et les métaphores.

Le poids du concret théâtral

« Il y a chez Shakespeare un discours dispersé sur le théâtre, discours nullement constitué dans une doctrine, mais tout de même discours concret, artisanal, lié surtout au faire du théâtre. À travers les remarques et les conseils prodigués par ses personnages, il n’est pas interdit de reconnaître l’expérience de l’homme de scène qu’il était et du visionnaire que l’on peut imaginer. Pourquoi ne pas admettre qu’une expérience quotidienne et qu’une aventure artistique puissent transparaître dans une œuvre de fiction ? De quoi est-elle faite, sinon aussi de ces matériaux personnels qui s’y intègrent et finissent par faire corps avec elle ? La pensée d’un écrivain se laisse repérer soit par son caractère explicite — que parfois l’on regrette dans la mesure où elle s’érige en profession de foi — soit par les récurrences qui se dissimulent et se disséminent dans l’œuvre au point de permettre leur identification hypothétique. Shakespeare appartient plutôt à cette seconde catégorie : toute son œuvre est gorgée du rapport au théâtre comme sont gorgées d’eau les terres proches des rivières. Le théâtre est la référence première, essentielle, continuellement reprise. Nous essayons maintenant de repérer ces occurrences et de les réunir afin de dégager les constantes et d’éclairer une vision. Il faut d’abord procéder à un travail d’exploration afin d’ouvrir un vrai champ de fouilles qui permet d’extraire les métaphores, les procédés, les propos qui, réunis, constituent un ensemble disparate, hétérogène, un ensemble d’une extraordinaire richesse.

Shakespeare n’a pas de porte-parole, il ne parle pas à la première personne — à l’exception des sonnets — et rattache son discours à des personnages ou le place dans le contexte des situations. Il nous revient donc de respecter cet entre-deux et nous essayerons de ne pas le séparer ni de la pièce ni de cet être de fiction qu’est le personnage qui le prononce. Car Shakespeare parle du théâtre mais se sert aussi bien de celui-ci pour éclairer un être ou qualifier une aventure, pour dégager un rapport à l’histoire autant qu’au monde. Il n’y a guère de discours isolé, mais toujours un discours intégré. »


Les répétitions, une pensée en acte

« Parlons d’abord du théâtre, de son élaboration. Shakespeare introduit ce discours d’artisan dans le cadre des répétitions, pratique propre au seul théâtre. C’est ce même choix que feront tout aussi bien Goldoni, Lope de Vega ou Molière : pour chacun, la répétition est l’occasion de témoigner du théâtre. Alors, lorsque le théâtre est en train de se faire, des conditions de production sont formulées, des conseils sont dispensés, des craintes sont exprimées. L’acteur est concerné, mais le public tout autant. Ces interventions pratiques permettent de retrouver les données d’un contexte et également les motivations d’une représentation. Représentation dont le statut comme la nature ne se révèlent jamais aussi bien que dans les prologues ou les épilogues, véritables poèmes où se conjuguent le concret et l’abstrait du théâtre. Ils servent de plaque tournante entre les consignes pédagogiques, le régime d’exploitation du théâtre et sa condition métaphysique. Cette impureté les rend uniques. Ici, comme dirait Peter Brook, le brut et le sacré se retrouvent profondément imbriqués. Dans l’acte de la production pointent toujours les données d’un horizon… du streben, du mouvement vers… »


Des métaphores réversibles

« ”Quelle est votre métaphore ?” demande Messire André Fièvrejoue dans La Nuit des rois2. L’œuvre de Shakespeare est constellée de métaphores, surtout des métaphores ayant trait au théâtre. Mais elles ne sont pas univoques, constantes et récurrentes. Chez Shakespeare les métaphores du théâtre peuvent tantôt formuler un rapprochement qui rehausse le théâtre, tantôt, parfois quelques lignes plus loin, le décrier et déplorer ses retombées contagieuses sur les êtres. Et ainsi nous décelons les données d’un double discours, sur le théâtre comme sur la vie : la métaphore les relie. Métaphores de l’acteur et du spectateur surtout… en les réunissant ce n’est point une cohérence qui se dégage, mais, bien au contraire, un ensemble de contradictions : rien n’est plus étranger à Shakespeare qu’une relation unique au théâtre, de confiance ou de défiance. Il n’entretient ni l’optimisme des écrivains, ni la haine des pères de l’Église… Certes, on pourra nous répliquer que chaque métaphore appartient à un personnage et que c’est lui qu’elle définit, mais, par-dessus tout, une relativisation de ce constat s’impose : rien n’est sûr, tout peut se convertir en son contraire. Shakespeare se montre maître dans l’art de manier ces métaphores réversibles. Elles interdisent tout choix unique, tout qualificatif définitif…en fonction d’un contexte, jamais le même, chaque fois autre. Au théâtre tout peut se convertir en son contraire. C’est, au fond, le sens le plus profond du discours de Shakespeare. C’est le défi auquel il nous convie. »


Le monde est une scène

« Le discours de Shakespeare sur le théâtre s’appuie et développe la métaphore de la vie comme une succession de rôles et celle du monde comme un théâtre car n’avait-il pas inscrit sur les murs du Globe la fameuse devise de Pétrone : Totus mundus agit histrionem ? Elle demande la prise en compte du sens double du verbe employé car agit désigne à la fois le fait d’agir/faire et de représenter/jouer. Nous sommes des acteurs qui jouons sur cette scène qu’est le monde, assertion à laquelle Shakespeare accorde aussi deux sens antinomiques. Dans le fait de jouer, l’idée du simulacre est inscrite d’emblée : l’histrionisme suppose la pratique du jeu, mais d’un jeu trompeur. Il y a alors du jeu autant que du faux… et, comme disait Aragon, « il est venu le temps de feindre ». À savoir d’assumer la condition de l’acteur pris dans les tenailles du vrai/faux.

Jouer un rôle c’est feindre, au nom d’une incertitude identitaire ou d’une stratégie. D’un doute quant à soi ou, au contraire, d’une visée politique. Cela engendre du trouble tout en produisant du faux. Implicitement, une telle relation au jeu renvoie au théâtre comme pratique suspecte en raison même de son aptitude à brouiller le réel, à produire des leurres et à tromper… Le jeu perturbe, déroute et instaure la méfiance à l’égard de ceux que l’on soupçonne de son exercice maléfique. Cette acception du mot jouer a des retombées sur le rapport que l’on peut entretenir avec le théâtre, qui est son territoire de choix, et le comédien qui le représente. L’être – acteur dans la vie ne fait qu’adopter les pratiques de l’être – acteur sur une scène. Et ainsi les deux paraissent pris dans un jeu de miroirs déformants qui rend floues leurs images en raison précisément du jeu sur la scène du théâtre ou sur celle de la vie. Si Evreïnoff comme Huizinga parlent de l’Homo ludens élevé au statut de modèle propre à l’ensemble des comportements humains, soumis à une prédétermination implicite, Shakespeare, par contre, assimile le jeu au camouflage des projets envisagés et à une démultiplication des identités. Celui qui « joue » est toujours plusieurs…et en ce sens-là il s’apparente au Démon qui, toutes les traditions l’attestent, n’est pas unique mais multiple. De Iago à Richard III et tant d’autres, leurs propos confirment justement ce rapprochement : le jeu permet le simulacre mais il entraîne l’explosion de l’identité unique, celle qui se reconnaît et se construit dans le temps, pour cultiver, au contraire, une diversité protéiforme qui trompe et déroute. Celui qui joue peut parvenir à son but, mais il finit par n’être personne, nobody. La plupart des répliques s’achèvent sur ce constat. L’homme qui a joué fait le constat de la perte de son identité évanouie à travers la légion des rôles déclinés. »

Georges Banu est professeur d’études théâtrales à la Sorbonne Nouvelle-Paris et président d’honneur de l’Association Internationale des Critiques de théâtre. Il est également co-rédacteur en chef de la revue Alternatives théâtrales ainsi que responsable de la série Le temps du théâtre chez Actes Sud. Il a publié un nombre important d’ouvrages et essais consacrés aux metteurs en scène européens et a reçu trois fois le prix du meilleur livre de théâtre en France. De plus, il a réalisé deux films consacrés, l’un à Shakespeare, l’autre à Tchékhov, qui tous deux ont été primés par l’UNESCO.


  1. Shakespeare, Le monde est une scène. Métaphores et pratiques du théâtre. Anthologie proposée et commentée par Georges Banu, traduction et introduction par Jean-Michel Déprats, coll. Pratique du théâtre, Paris : Gallimard nrf, 2009. []
  2. Acte I. scène 3, p.15, Éditions Théâtrales, 1996 []

OpenEdition vous propose de citer ce billet de la manière suivante :
Équipe des EUA (5 mars 2025). Georges Banu – Shakespeare : métaphores et pratique du théâtre. Les Éditions Universitaires d'Avignon. Consulté le 16 novembre 2025 à l’adresse https://doi.org/10.58079/13f4h


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