
Arts de la scène : un tournant nécessaire
Philippe Henry
Collection : Entre-Vues, Leçons de l’Université
Thème : Arts de la scène, Art, Culture, Théâtre
Parution : 07/2010
Pagination : 77 pages
prix : 6€
ISBN : 978-2-35768-015-9
OpenEdition Books : https://books.openedition.org/eua/985?lang=fr
« Le monde des arts de la scène est finalement symptomatique des évolutions et des changements contemporains, tant internes aux mondes de l’art que contextuels ». Lors d’une Leçon donnée à l’université d’Avignon le 21 juillet 2009, Philippe Henry interroge les tensions, les équilibres et déséquilibres du monde de la culture. Il analyse le fonctionnement du monde du spectacle vivant ainsi que les possibles modifications de la conception de l’art dans la société.
Extraits
Inventer de nouvelles voies
« Au cours du dernier quart du 20e siècle, le monde des arts de la scène a connu en France une remarquable expansion et s’est beaucoup professionnalisé. Il continue à attirer un nombre très important de jeunes, ce qui oblige d’ailleurs les nouveaux entrants à inventer et à défricher de nouvelles voies. Mais ce développement des arts de la scène s’est opéré selon des dynamiques idéologiques et des modes organisationnels qui ont de fait laissé de côté toute une série d’enjeux et de problèmes. Il ne concerne pas seulement la partie la plus visible du secteur. À côté des grandes institutions et des compagnies qui y accèdent, est désormais présente une multitude d’initiatives et d’organisations, révélatrices des transformations sociétales en cours. Ces nombreux projets sont portés par des structures hétérogènes et vivaces, mais souvent très petites. Majoritaires dans le monde des arts vivants, elles sont encore insuffisamment valorisées ou soutenues entre autres par les politiques publiques.
Le monde des arts de la scène est finalement symptomatique des évolutions et des changements contemporains, tant internes aux mondes de l’art que contextuels. Il est de fait exemplaire de bien des mutations actuelles, même s’il présente des spécificités fortes. Celles-ci sont d’ailleurs bienvenues pour examiner, par contrepoint, la dominance actuelle des industries culturelles ou, pour demain, de l’économie créative.
Par là, nous sommes à un tournant difficile mais passionnant des mondes de l’art, où ce qui nous a été légué par le 19e et le 20e siècles se trouve en pleine reconfiguration du point de vue de l’offre artistique, des pratiques culturelles de nos concitoyens, des politiques publiques et des modalités de régulation globale.
Mon exposé voudrait attirer votre attention sur la véritable bifurcation à laquelle se trouvent confrontés les mondes de l’art — et plus particulièrement celui des arts de la scène. Bifurcation déjà bien réelle, tant les conceptions de l’art, mais aussi les conditions socio-économiques de son développement sont en train de changer sous nos yeux — que nous le voulions ou non. Bifurcation encore largement potentielle car notre héritage, tant idéologique que sur le plan du fonctionnement des mondes de l’art, reste déterminant et toujours prégnant. Au point de ne pas toujours faciliter le diagnostic et l’invention de solutions pertinentes face à des évolutions pourtant déjà largement en cours.
Cette leçon se développera en deux grandes parties, chacune étant déclinée en quelques aspects principaux. La première sera consacrée à des éléments de diagnostic sur l’état actuel du fonctionnement du monde du spectacle vivant en France. La seconde abordera ce que je crois être des transformations nécessaires en ce début de 21e siècle. »
Le spectacle vivant et son fonctionnement
« Les propositions artistiques, telles qu’elles sont reçues par les spectateurs, sont des propositions à plusieurs dimensions. Elles n’ont pas pour seul objet d’être des expériences esthétiques — même si cet aspect reste capital à considérer — ou encore d’être appréhendées selon les seuls critères des professionnels de l’art. Elles ont par ailleurs une double dimension irréductible de sociabilité et de configuration identitaire.
S’agissant de la sociabilité, le phénomène n’est pas nouveau. Depuis l’invention du théâtre, on y va aussi pour croiser et rencontrer des individus qui appartiennent ou non à son milieu social. Ce phénomène constant a pu être masqué au cours du 20e siècle, où la dimension de rapport intime à l’œuvre a voulu être privilégiée, le spectateur étant convoqué à regarder davantage la scène et moins la salle. Mais les jeunes générations qui pratiquent les nouveaux réseaux sociaux accessibles sur Internet bousculent ces éléments conventionnels. Les sorties culturelles se déclenchent ainsi d’abord — j’aurais tendance à dire comme toujours — par la circulation de l’information dans un réseau social. Elles constituent un moment intense d’échange avec ses pairs. Il est donc important de pouvoir s’y rencontrer, de pouvoir parler et échanger. D’où le succès des concerts de musiques actuelles, qui permettent d’écouter mais aussi de bouger, d’être ensemble, de discuter, de boire un verre, de monter des plans, d’enchaîner sur un “after”, etc.
Dans le même temps, les propositions artistiques participent à la construction de nos identités de manière sans doute plus forte qu’autrefois. Car aujourd’hui, ces identités, tant individuelles que collectives, ne nous sont plus données comme elles l’étaient il y a peu encore par la famille, l’école, la religion, l’appartenance politique, etc. Chacun doit construire son propre parcours identitaire, au travers de la multitude des propositions qui lui sont faites dans nos sociétés. Or les pratiques artistiques ont des dispositions en la matière tout à fait remarquables. Elles permettent aux individus de se construire, mais aussi de se reconnaître entre eux, tout en facilitant la distinction et la singularité qui sont désormais demandées à chacun. Les uns et les autres, nous pouvons donc aujourd’hui piocher dans une diversité de propositions artistiques, qui représente un pourvoyeur symbolique et affectif d’importance dans la constitution de nos identités individuelles et de celles des communautés dans lesquelles nous nous reconnaissons. »
Le monde de l’art et sa culture propre
« Nous l’avons dit, les mondes de l’art et leurs professionnels ont développé une culture qui leur est propre, différente, par exemple, de celle des techniciens, des ingénieurs, des enseignants, etc. Ils ont ainsi imposé la notion d’originalité comme base de leur spécificité. Cette conception, déjà en germe au 19e siècle, a particulièrement réussi à imposer sa légitimité dans le spectacle vivant. Cette véritable norme fonctionne toujours et a jusqu’à peu été relativement propre aux mondes de l’art. On la voit désormais s’élargir à d’autres mondes sociaux, notamment ceux aujourd’hui regroupés sous le terme générique d’économie créative. On voit même cette dimension d’originalité être requise au niveau de tous, chacun se devant désormais d’être différent, de s’inventer une personnalité et un parcours singuliers.
Dans ces conditions, la convention d’originalité, qui prétend aussi remettre sans cesse en cause l’état des choses, finit par tourner à vide, en particulier quand elle ne se réfère qu’à elle-même. D’un autre côté, le contexte actuel donne à cet héritage une chance de pertinence nouvelle, en poussant à explorer la voie d’une relation plus symétrique entre œuvres et artistes d’une part, populations et territoires de vie d’autre part. Les mondes de l’art pourraient ainsi trouver de nouveaux développements en acceptant de passer de la convention d’originalité à ce que je propose d’appeler une convention d’identité. Désormais, ils auraient en particulier pour fonction d’aider les individus à se trouver, à s’inventer, à se distinguer. Les productions artistiques sont en effet à même de participer à la reconfiguration identitaire permanente, personnelle et collective, constamment réouverte, des individus et de leurs communautés. Les mondes de l’art pourraient ainsi participer de plain-pied au développement — toujours contradictoire — de notre société contemporaine et de ses divers individus, voire inspirer certaines de ses formes majeures de développement. Mais alors, il faudrait s’extraire peu à peu du mode dominant actuel de développement culturel de l’art. Cette bifurcation implique entre autres de sortir de la référence centrale et obsessionnelle à l’excellence artistique. À en faire un critère d’évaluation quasiment unique — et simultanément flou —, on se prive d’une grande richesse car de nombreuses propositions et productions artistiques se développent hors de ce schéma. Pour le spectacle vivant, le volet culturel de la politique de la ville en France et la variété des expériences réalisées ont montré qu’il était possible de soutenir une autre référence et d’autres modalités d’intervention, sans que cela ne discrédite pour autant les processus artistiques et culturels considérés. Plus largement, permettre une palette d’orientations à partir de critères qualitatifs pluriels — énoncés et débattus plus collectivement — apparaît désormais comme un enjeu central. En effet et même si un réel travail d’explicitation et de conviction reste à faire, le nombre et la variété des démarches éprouvées rendent aujourd’hui possible la mise en forme de critères d’intervention hors du seul renvoi à l’excellence. »
Auteur
Philippe Henry est maître de conférences au Département Théâtre de l’Université Paris 8 — Saint-Denis. Sa recherche porte principalement sur la sociologie économique des arts de la scène en France et plus particulièrement sur l’étude des organisations théâtrales les plus modestes, dont la relation entre leurs projets artistiques et leurs pratiques gestionnaires. Une de ses recherches en cours porte sur une évaluation des spécificités des friches culturelles dans le paysage actuel des équipements artistiques et culturels en France.
OpenEdition vous propose de citer ce billet de la manière suivante :
Équipe des EUA (4 mars 2025). Philippe Henry – Arts de la scène : un tournant nécessaire. Les Éditions Universitaires d'Avignon. Consulté le 16 novembre 2025 à l’adresse https://doi.org/10.58079/13f1i